Exquisite Performances von Tessa Thompson und Ruth Negga bilden das pulsierende, emotional gesteigerte Zentrum von Passing , Rebecca Halls sicherem Schritt hinter die Kamera, der mit großer Sensibilität aus dem Roman der Harlem Renaissance-Autorin Nella Larsen von 1929 adaptiert wurde. “Wir gehen alle für irgendetwas vorbei, nicht wahr?” sinniert Thompsons melancholischen Charakter Irene Redfield. Dies ist eine traumhaft atmosphärische Erinnerung an das New York der 1920er Jahre, dessen Ausbrüche des Jazz-Zeitalters durch die inhärente Gefahr der Entlarvung von Menschen ausgeglichen werden. Es erzählt eine intime Geschichte von zwei Frauen auf beiden Seiten der “Farblinie”, während sie eine intersektionale Erforschung der Identität in Bezug auf Rasse, Geschlecht, Klasse und Sexualität durchführen.

Halls Materialauswahl für ihr Debüt als Autorin und Regisseurin wird durch ihre offensichtliche persönliche Investition in die Geschichte erhöht, nachdem sie vor Jahren erfahren hatte, dass ihr amerikanischer Großvater mütterlicherseits, der vor ihrer Geburt starb, Schwarz war, das fast sein ganzes Leben lang weiß war. Diese intensive Verbindung durchdringt jede liebevoll komponierte Einstellung eines Werks, das eine unerschütterlich gemessene, subtile Herangehensweise an Themen verfolgt, die in der Vergangenheit häufig als hohes Melodram behandelt wurden, insbesondere in Filmen wie Douglas Sirks Imitation of Life . Die verschleierte Betrachtung des seltsamen Verlangens sowie die Kulisse und Herangehensweise laden zu einem besseren Vergleich mit semi-experimentellen Filmen wie Isaac Juliens Looking for Langston ein .

Wie das mittellange britische Feature von 1989 wird Passing in schwarz-weiß gedreht, in diesem Fall im alten Hollywood-Standard-Seitenverhältnis von 4: 3, um Porträtfotografie, aber auch eine streng geschlossene Welt selbst auferlegter Grenzen zu suggerieren – “sicher” , “außer wenn es plötzlich nicht mehr ist. Optisch ist dies das ausdrucksstärkste Werk des spanischen Kameramanns Edu Grau seit A Single Man . Seine Bilder wurden durch erstklassige handwerkliche Kooperationen der Produktionsdesignerin Nora Mendis und des Kunden Marci Rodgers verbessert, die beide detailreiche Details liefern. Das Unterstreichen der sanften Jazz-Piano-Sorten des Komponisten Devonté Hynes trägt weiter zur lebendigen Beschwörung einer verlorenen Welt bei.

Die effektive Eröffnung zeigt Irene auf einer seltenen Reise in die Innenstadt jenseits der geschützten Grenzen von Harlem, während sie sich an einem heißen Sommertag unter einem schicken Hut mit breiter Krempe versteckt und ihren Blick von jedem Verkäufer, Fußgänger oder Taxifahrer abwendet sie begegnet. Ihre Angst vor Enthüllung und Demütigung scheint spürbar, als sie eine Pause von der Hitze in der mit Palmen gefüllten Teestube des fiktiven Drayton Hotels sucht, das auf dem Drake in Chicago basiert. Wie in Larsens Roman hat das Establishment nicht die allgegenwärtigen “No Coloureds” -Schilder der Epoche, obwohl die weiße Kundschaft deutlich macht, dass Irene da ist, weil sie unbemerkt geblieben ist, als sie ihren geröteten Teint abpudert.

Der scharfe Kontrast zwischen den beiden Hauptfiguren wird sofort deutlich, als Clare Kendry (Negga), eine enge Freundin aus ihrer Jugend, “Renie” mit einem überschwänglichen Gruß überrascht. Mit ihrer atemlosen, leisen Sprache und ihrer frechen, blonden Flapper-Frisur ist es offensichtlich, dass Clare weiß wird, noch bevor sie erklärt, dass ihr Bankier-Ehemann John (Alexander Skarsgård) nur weiß, dass sie nach dem Tod ihres Vaters von ihren weißen religiösen Tanten erzogen wurde. Sie erklärt, dass sie es seit ihrer Tochter nicht mehr gewagt hat, es erneut mit dem Sohn zu versuchen, den sie immer wollte, falls er “dunkel wird”.

Irene ist nervös und will unbedingt weg, aber Clare ist zu begeistert, um sie nach 12 Jahren wieder zu finden, um sie gehen zu lassen. Sie besteht darauf, dass sie in ihre Suite gehen, wo sie reden können. Die frühe Rückkehr von John, der sie geschäftlich aus Chicago nach New York gebracht hat, zeigt, dass er ein unverfrorener Rassist ist. Clare lacht seine Worte mit geübter Lässigkeit aus, als er scherzt, dass seine Frau seit ihrer Heirat jeden Tag dunkler geworden ist, daher seine Liebeserklärung an sie, “Nig”. Er erklärt, dass sie intoleranter ist als er und nicht einmal eine schwarze Magd haben wird. Renie ist sichtlich verstört von der Begegnung, auch wenn die Wärme, die Johns Frau ihr entgegenbringt, bedeutet, dass ihm nie in den Sinn kommen würde, dass sie alles andere als weiß ist.

Es gibt einen deutlichen visuellen Wechsel von Clare und Johns Suite, einem luftigen Raum, der von weißem Licht durchtränkt ist, zu dem strukturierteren Blick in den Harlem Brownstone, in dem Irene mit ihrem Arzt Ehemann Brian (André Holland) und ihren beiden Jungen lebt. Die Aktion blitzt vorwärts zum Herbst, als ein Brief von Clare mit dem Poststempel New York anzeigt, dass sie wie erhofft in die Stadt zurückgekehrt ist. Irene zögert, es zu öffnen, aber Brian ist neugieriger und zieht bei Clares florider Beschreibung von “diesem blassen Leben von mir” die Augenbrauen hoch, als sie Renie sanft tadelt, weil sie ihr “wildes Verlangen” nach einem anderen Leben entlarvt hat.

Als Clare an ihrer Tür auftaucht, ist ihre Gereiztheit über Irenes Nichtbeantwortung ihres Briefes wie die eines verschmähten Liebhabers. Aber trotz Renies Warnungen, dass sie durch ihre Ankunft in Harlem um die Gefahr wirbt, wird Clare bei ihrem Wiedersehen bald schwindlig. Sie gesteht, dass das Wiedersehen mit ihrer alten Freundin ihre Einsamkeit befreit hat, niemals offen mit jemandem sein zu können; Sie beneidet Renie um ihr “gutes Leben, frei und sicher”.

Aber in Thompsons unshowy, wunderschön verinnerlichter Leistung beschränkt sich Irene auf ihre eigene Weise auf die vorgeschriebenen Codes für Ehe, Mutterschaft und bürgerliche Seriosität. Negga hingegen hat eine fast Blanche DuBois performative Ausstrahlung in ihrer Art, mit einem flatternden musikalischen Flair, als sie Irene für ihre Diplomatie gegenüber ihrem rassistischen Ehemann dankt: “Es war sehr nett von Ihnen, so zart darüber zu sein.”

Als Irene verrät, dass sie mit dem weißen Schriftsteller Hugh Wentworth (Bill Camp) im Organisationskomitee für einen bevorstehenden Tanz der Negro Welfare League zusammenarbeitet, besteht Clare darauf, zu kommen und die Bedenken ihrer Freundin zu ignorieren. Brian drückt seine Verachtung für jeden aus, der leugnet, wer er ist, aber er wird allmählich von der “blonden Prinzessin aus Chicago” verzaubert. Clare wirkt verführerisch auf alle, einschließlich der Söhne der Redfields und ihrer dunkelhäutigen Haushälterin Zu (Ashley Ware Jenkins).

Halls vielschichtiges Drehbuch beeindruckt durch seine Fähigkeit, ohne Didaktik die elastischen Grenzen der Identität und die veränderlichen Dualitäten zwischen Schwarz und Weiß, Mann und Frau, Schwul und Hetero zu reflektieren. Ein lustiges Gespräch zwischen Irene und ihrer Freundin Hugh beim Tanz bringt Punkte über Exotik und “emotionale Erregung” im etwas räuberischen Interesse hoch entwickelter weißer New Yorker an der schwarzen Gesellschaft in der Innenstadt hervor.

Das Camp ist ein herrliches Camp, während Hugh darüber lacht, dass seine Frau von einer Reihe adretter “äthiopischer” Männer auf der Tanzfläche herumgewirbelt wird, und sein eigenes, nicht so verschlossenes Interesse an ihnen offenbart, indem er eine “fantastisch gutaussehende” Dunkelheit kommentiert. Hauttänzerin, die ein Magnet für die Hälfte der Frauen in dem überfüllten Raum ist. Interessanterweise ist Hugh der einzige, der gegen Clares Anziehungskraft immun ist, vielleicht weil sie seine Selbstverliebtheit nicht teilt. Er verachtet leise das “arme kleine Ich” ihrer Schattenexistenz.

Mit dem passenden Gerät gelegentlicher White-Outs zwischen den Szenen navigiert der Regisseur durch eine sanfte tonale Modulation, während Irenes Beobachtung von Clares Glück beim Tanz leise etwas aufdeckt, das in ihrem eigenen Leben fehlt, und das dominante Verlangen von einer Frau zur anderen zu verlagern scheint. Dies führt zu ergreifenden Schattierungen von Traurigkeit, als Renie Anzeichen dafür zeigt, dass sie während Clares Abwesenheit in Europa auseinanderfällt, sich selbst behandelt und dann an den Rand driftet, wenn ihre Freundin zurückkehrt, ein hellerer sozialer Schmetterling als je zuvor.

Trotzdem haben die homoerotischen Untertöne in ihren Szenen eine schöne, zarte Sehnsuchtsqualität, zum Beispiel in einem wunderschönen Zwischenspiel, in dem sich die beiden Frauen auf Irenes Harlem-Bücken unterhalten, während die Klänge der Praxis eines Jazz-Trompeters aus der Nachbarschaft träge durch die Luft schweben. In einem Moment schockierender Offenheit verrät Clare, dass sie “alles tun, jemanden verletzen, alles wegwerfen” würde, um das zu erreichen, was sie vom Leben will, nachdem sie zuvor offen zum Ausdruck gebracht hatte, dass der Komfort des Geldes ihre ethnische List wert macht. “Ich bin nicht sicher”, gesteht sie, eine Warnung, die verblüffende stumpfe Kraft mit sich bringt.

In einem Drehbuch voller Aufmerksamkeit für das Teilen von Linien, die sowohl fett als auch verschwommen sind, webt Hall auch Fäden um die Linien, die Kinder und Erwachsene trennen. Irene versucht, die Unschuld ihrer Söhne über die Hässlichkeit in der Welt aufrechtzuerhalten, während Brian es für notwendig hält, dass sie sich des Hasses hinter rassistischen Beleidigungen bewusst sind, die sie in der Schule hören, was seiner Frau Unbehagen bereitet, wenn er grafische Details eines Lynchmordes mitteilt Arkansas. “Ich bin alt genug, um nicht mehr wie ein Kind angesprochen zu werden”, sagt ihr ältester Junge. Brian hat ein starkes Interesse daran, die Familie von “diesem höllischen Ort” wegzubringen, während Irene es ablehnt, Amerika zu verlassen, anscheinend mehr, seit Clare wieder in ihr Leben eingetreten ist.

Das Drama baut, vielleicht unvermeidlich, aber nicht weniger ergreifend, auf einer Tragödie auf und orientiert sich an Larsen, indem er den Trope des “tragischen Mulatten” aus der frühen afroamerikanischen Literatur aus einer psychologisch nuancierteren Perspektive wieder aneignet. Die traurige Wendung bringt die Rasse fest in den Mittelpunkt der Geschichte, obwohl ihre Gewalt eine Entwicklung darstellt, die für jeden, der mit dem Roman nicht vertraut ist, überraschend sein wird.

Der Katalysator für die letzten Szenen ist eine zufällige Begegnung mit John auf der Straße, wenn Renie mit ihrer glamourösen Harlem-Prominenten Felise (Antoinette Crowe-Legacy) einkaufen geht, einer willensstarken Stunnerin, deren Haut zu dunkel ist, um der rassistischen Bank zu entgehen.

Skarsgård verdient Anerkennung dafür, dass er eine relativ kleine Rolle einnimmt und einige der Schattierungen ausfüllt, die in der Charakterisierung von John durch das Drehbuch sowohl hier als auch in einer kraftvollen nachfolgenden Szene fehlen. Und Holland bringt einem Mann Tiefe und Intelligenz, verankert in einem festen Gespür dafür, wer er ist und in welcher Welt er existiert. Aber der Film gehört zu den beiden großartigen Schauspielerinnen im Zentrum.

Neggas scheinbar blasierte Haltung, als Renie Clare fragt, was sie tun würde, wenn John die Wahrheit über sie herausfinden würde, ist ein durchdringender Moment der Selbstoffenbarung hinter ihrer studierten Haltung. Und Thompson ist verheerend und vermittelt mit zunehmender Last der Traurigkeit, wie Irene – obwohl sie angeblich offener lebt als ihre Freundin – von einem tiefen Gefühl der Sehnsucht geprägt ist, das wiederum den Film definiert.

Ob es sich um ein einmaliges Leidenschaftsprojekt handelt oder um den Beginn eines kontinuierlichen Übergangs von der Schauspielerei zur Regie in ihrem Karrierefokus, Hall hat eine Arbeit geschaffen, die nachdenklich, provokativ und emotional resonant ist.

Veranstaltungsort: Sundance Film Festival (Premieren)
Produktionsfirmen: Significant Productions, Picture Films, Flat Five, in Zusammenarbeit mit AUM Group, XRM Media, Film4, TGCK Partners, Gamechanger Films, Sweet Tomato Films
Darsteller: Tessa Thompson, Ruth Negga, 
André Holland , Alexander Skarsgård, Bill Camp, Gbenga Akinnagbe, Antoinette Crowe-Legacy, Ashley Ware Jenkins
Drehbuchautorin: Rebecca Hall, basierend auf dem Roman von Nella Larsen
Produzenten: Nina Yang Bongiovi, Forest Whitaker, Margot Hand, Rebecca Hall
Ausführende Produzenten: Oren Moverman, Angela Robinson, Erika Hampson, Michael Y. Chow, Kevin A. Lin, Ruth Negga, Tessa Thompson, Lauren Dark, Daniel Battsek, Ollie Madden, Brenda Robinson, Chaz Ebert, Yvonne Huff, Christopher Liu, Arcadiy Golubovich, Dori A. Rath, Joseph J. Restaino, David Gendron, Ali Jazayeri
Kameramann: Edu Grau

Produktionsdesigner: Nora Mendis
Kostümdesigner: Marci Rodgers
Musik: 
Devonté Hynes
Herausgeber: Sabine Hoffman
Supervisor für visuelle Effekte: David Tecson
Casting: Laura Rosenthal, Kimberly Ostroy

Vertrieb: Endeavour Content

98 Minuten

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